Fragen und Austausch zu: Museen / Digitalisierung / Netzwelt

Fragen

Museen und insbesondere Ausstellungen haben in den letzten Jahrzehnten geboomt. Darauf ausruhen können sie sich jedoch nicht, denn neue Herausforderungen warten und ob der Besucherzustrom anhält ist unsicher. Diesmal geht es nicht primär um schrumpfende Kulturetats, auch wenn die weiterhin einen Hindernis darstellen und die Zukunftsfähigkeit und Integrität der Museen als öffentliche Bildungsinstitutionen bedrohen, vielmehr sehen sich Museum und andere Sammlungsinstitutionen zunehmend einer digitalen Herausforderung gegenüber, erwachsend aus der sogenannten „digitalen Revolution“ und der damit einhergehenden Veränderung der Informationsstrategien, des Lernens und Forschens in der Wissensgesellschaft. Digitalisierung in Museen, Digitalisierung von Bildungsinstitutionen, das Zusammenwachsen von Netzwelt und Sammlungsinstitutionen sind große Themen und Herausforderungen für Museen als Institutionen der Breitenbildung und Forschung heute.

Fragen wie wir sie im Verlauf der letzten Tage diskutiert haben, nach der Stellung des Objektes, seiner Besonderheit vielleicht aber auch Ersetzbarkeit im Spannungsfeld zwischen digital und original sind dabei zentral. Wo entstehen hier neue Chancen?

Die Digitalisierung von Museumsbeständen und anderen Sammlungen, deren Veröffentlichung für Forschungszwecke oder Besucher im Netz sind erste Schritte, die aber erst für wenige Bewahrungsinstitutionen zum Standard und alltäglichen Geschäft gehören. Es ist zu beobachten, dass es häufig große finanzkräftige Institutionen sind, die hier voran gehen und Standards setzen. Was passiert mit kleineren Einrichtungen, die sich Digitalisierung nicht leisten können? Wie kann die Langzeitnutzung sichergestellt werden? Die institutionelle Perspektive hinter sich lassend frage ich mich weiter, ob durch die Selektivität die durch den partiellen Zugang entsteht eine Art digitales Vergessens oder digitale Ignoranz entsteht?

Antworten (?)

Zahlreiche Veranstaltungen thematisieren den stattfindenden medialen und damit einhergehenden gesellschaftlichen Umbruch und die Folgen für Bildungs- und Sammlungsinstitutionen wie Museen. Weiterlesen

Den öffentlichen Raum erfinden. Common. Journal für Kunst & Öffentlichkeit

Gut:E-Journale riechen nicht so wunderbar, wie eine druckfrische Zeitschrift. Dafür bekommen sie keine Eselsohren, wenn man Sie eilig in die Tasche stopfen muss und sind schnell nach Schlagworten und Autoren durchsucht. Doch die Anzahl von elektronischen Journalen ist mittlerweile fast unüberschaubar und ich bin den  Informationsplattformen H-Soz-u-Kult und ArtHist stets dankbar, wenn sie mir einige Richtungen im World Wide Web weisen.

Im Dezember letzten Jahres ist das e-Journal „Common Journal für Kunst & Öffentlichkeit“ online gegangen. Es bietet sich als  Forum für Kunst im öffentlichen Raum an. „Common ist ein unabhängiges, internationales Webjournal, das sich mit Fragen um künstlerische Verfahren in Sphären des Öffentlichen beschäftigt. Es schafft eine interdisziplinäre Plattform für einen kritischen Diskurs über theoretische und praktische Konzepte von Kunst, die sich engagiert mit dem Öffentlichen auseinandersetzt“, so Michèle Novak. Dieses Ziel ist hochgesteckt, doch dem Journal ist es durchaus zuzutrauen. Denn der Chefredakteurin  Michèle Novak steht ein hochkarätig besetzte internationale Redaktion zur Seite.

Bei dem ersten Betrachten des e-Journals überwiegt das kühle Design. Schwarz auf Weiß – wie gedruckt. Beim Durchklicken der verschiedenen Unterseiten erscheinen Textpassagen in gelb-greller großer Schrift. Schnell verschwinden sie – manchmal zu schell – doch animieren sie – zumindest mich – auch alle Unterseiten anzuklicken. Was kurzweilig erscheint, leitet über in die Beiträge und zentralen Fragestellungen des Journals z.B. „Den öffentlichen Raum erfinden“; „Stört Ordnung“.

Der dezente, zielsichere Einsatz von Bildern macht die Beiträge gut lesbar. Aufsätze, Interviews und Meinungen wechseln sich ab und geben dem Journal einen angenehm offenen, aber dennoch wissenschaftlichen Charakter. Jeder Beitrag kann „vor Ort“ durch ein breites Publikum kommentiert und so auch diskutiert werden.

Das Journal erscheint dreimal jährlich in digitaler Form und einmal sogar als gedruckte Jahresausgabe im Verlag Buch&Netz. Bei dieser gilt dann wieder: Durchblättern und den Luftauch der fallenden Seiten einatmen. Ein bißchen Sinnlichkeit und Nostalgie darf sein!

 

Ausgrabungen per Mausklick – Wikipedia trifft Archäologie

Archäologen rekonstruieren in geduldiger Kleinstarbeit die Vergangenheit des Menschen. Ihre Forschungsergebnisse dienen den Natur- sowie Kulturwissenschaften. Damit die Leistungen der Altertumswissenschaftler die adäquate Aufmerksamkeit erhalten, wird  Wikipedia nach der erfolgreichen Tagung Wikipedia trifft Altertum 2011 an der Universität Göttingen die Tagungsreihe 2013 fortsetzen mit der Veranstaltung:

Wikipedia trifft Archäologie. Freies Wissen, Neue Medien, populäre Wissensvermittlung und Enzyklopädien in den Archäologien.

Kooperationspartner bei der Tagung sind das Deutsche Archäologische Institut (DAI) und der Verein Wikimedia Deutschland.

Mit der Einrichtung der Stelle eines Wikipedian in Residence im Sommer 2012 haben das DAI und die Wikimedia-Projekte eine neue Ebene bei der Zusammenarbeit zwischen Wissenschaft und enzyklopädischer, populärer Wissensvermittlung erreicht. Dabei sollte nicht nur den Mitarbeitern des DAI ein Blick hinter die Kulissen der Wikipedia gegeben werden – und anders herum – nein, es wurden auch weitere Projekte darüber hinaus angestoßen, so als bisheriger Höhepunkt die Erstellung einer interaktiven Limeskarte, die in einer ersten Form auf der Tagung in Berlin präsentiert werden soll.

Die Wikipedia und ihre Schwesterprojekte sowie die Vermittlung archäologischen Wissens und der Nachbardisziplinen wie Numismatik oder Epigraphik in den Projekten soll der Mittelpunkt der Tagung sein, es wird aber auch über die Grenzen des engen Themas geschaut. Angesprochen sind alle Fachwissenschaftler aber auch Interessierte aus den entsprechenden archäologischen und altertumswissenschaftlichen Disziplinen, zudem Wikipedia-Autoren- und Interessierte, Studenten, Lehrer und andere Interessierte.

Anmeldungen für die Tagung sind noch bis zum 15. Februar 2013 möglich, eine Teilnahmegebühr wird nicht erhoben.

Ort: Berlin
Datum: 22.02.2013-23.02.2013
Kontakt: Marcus Cyron, Wikipedian in Residence beim Deutschen Archäologischen Institut

Weitere Informationen und das Programm finden Sie alsbald hier.

re-boot science. Plädoyer für eine neue Open-Access-und Vernetzungskultur

(c) Claudia Becker 2012

Prof. Dr. Thomas Bürger
(c) SLUB Dresden 2012

Engagement, Begeisterungsfähigkeit und Hingabe zeichnen Thomas Bürger als Generaldirektor der Sächsischen Landesbibliothek – Staats- und Universitätsbibliothek Dresden (SLUB) aus. Thomas Bürger hat die Dresden Summer School 2012 „Von der Vitrine zum Web 2.0 – Museen, Bibliotheken und Archive im digitalen Zeitalter“ mit initiiert und maßgeblich unterstützt. Er organisierte und leitetete die erste Sektion der Summer School in der SLUB, eines der größten Digitalisierungszentren Deutschlands und führte  den Teilnehmern das notwendige und produktive Neben- und Miteinander von analogen und digitalen Medien vor Augen.

Das Engagement Professor Bürgers geht jedoch über die zwei Wochen der Dresden Summer School hinaus. So gibt er in der Dezember-Ausgabe des Bibliotheksmagazin die Dresden Summer School 2012 einen Rückblick auf die Summer School und Claudia Becker, Teilnehmerin der Summer School, die Möglichkeit, mit Ihrem Plädyer für eine neue Open-Access- und Vernetzungskultur einen Blick in die Zukunft zu werfen.

Beide Artikel können in der Online-Ausgabe des Magazins auf den Seiten 220 bis 228 nachgelesen werden.

 

 

CFP: Historiographies of New Media (Chicago Art Journal)

Historiographies of New Media The Chicago Art Journal, the annual publication of the University of Chicago Department of Art History, is seeking submissions of original work by graduate students and faculty. The 2012-2013 edition asks how new media have affected not only the production of art, but also the production of knowledge about art. What is at stake in approaching art history through the concept of new media?

Particularly in the post WWII period, the term “new media” has been applied to a range of formats—from photography, to video, to the Internet—that have revolutionized the modes of transmission and reproduction of “old” media of art. The concept of new media seems to promise a mass media address, yet artists have often emphasized the limits of circulation—for instance, in closed-circuit television, or in zines that were produced via Xerox processes and yet distributed to small networks. Such a dialectical relation escapes media theory’s emphasis on mass distribution and gestures instead toward sites of friction between the imaginative and material aspects of new media, which the discipline of art history may be particularly well-equipped to explore.

Furthermore, the formation and performance of art history has been contingent upon pivotal introductions of reproductive media, from the double-slide lecture to the publication of photographs in books, from the use of facsimiles in the classroom to broadcasts of “art on television.” In turning with fresh eyes to the idea of new media, we consider art history’s rhetorics of description and display. How might we effectively attend to the aesthetic and pedagogical aspects of new media in the wake of communications theory and concepts such as interactivity?

Just as recent scholarship has addressed the nuances of “pre-modern” and modern notions of mediality—including forms of mechanical reproducibility and audiovisual displays emergent in the Middle Ages—so might we aim to reframe more contemporary art historical categories of “lateness” such as the post-medium condition.

We are especially interested in papers that diverge from the well-known chronologies of Euro-American technological developments.

Topics might include but are not limited to:

– the performance and circulation of art history through facsimiles,  photographs, slide projections
– responses and counter-responses to new media technologies within art  criticism, critical theory, and film theory
– historical modes of mechanical reproduction, such as imprinting  coins, technologies of the book, and seals
– transfers and transformations among media
– media as reference for other media
– the materiality of new media, and material processes
– new media and abstraction
– painting after the advent of network theory
– the aesthetics of television
– queer aesthetics and new media
– analog and digital in art and art history
– historiographies of “video art,” including the role of projection
– the wider implications of artists’ practices in Xerox, zines, artists’ books, flip books, and holograms
– the dialectics of art transmitted through media and art as media
– new media’s relevance for reframing art historical cycles and geographies of innovation

Submissions:

Papers must follow The Chicago Manual of Style and should not exceed 5.000 words. Each submission should include an abstract of approximately 500 words. Both Word documents and PDFs are acceptable.

All contributors should include their name, address, telephone number, and email address. Authors are responsible for securing image reproduction rights and associated fees. Please send submissions to the graduate student editor Solveig Nelson at UChicagoArtJournal@gmail.com by December 17, 2012, 5 p.m.

 

Reference / Quellennachweis: CFP: Historiographies of New Media (Chicago Art Journal). In: H-ArtHist, Nov 5, 2012. <http://arthist.net/archive/4152>.

 

The Grohmann exhibition between experiment and tradition

Screenshot of virtual exhibition made by TU Dresden students. Copyrights Ferdinand-Möller-Stiftung.

The exhibition at the Lipsiusbau about the work and network of Will Grohmann, as discussed by both Isabel Dzierson and Sonja Ostendorf-Rupp, was an interesting example of both traditional and more experimental forms of exhibiting. As Isabel Dzierson has argued, the curators made use of new media in interesting ways. The most impressing of all was the 3D-reconstruction of the famous and influential Allgemeinen Deutschen Kunstausstellung of 1946 in Dresden. The question remains, however, if these technologies were truly incorporated or added afterwards, as an afterthought, as Sonja Ostendorf-Rupp so strikingly suggested.

The Australian scholar Paul Arthur argues that “it is important to recognize that some museums have been criticized for relying upon new technologies simply because they are available. This has been referred to as the ‘technology trap’ – that is, technological possibilities directing museum practice and so tending to supplant core priorities and policies.” (Arthur, ‘Exhibiting history. The digital future’, 2008). So the question might be rephrased as follows: is the exhibition Im Netzwerk der Modernean example of the technology trap? Or does it offer new ways of incorporating digital media into a coherent museological narrative?

Exhibitions are hybrid spaces and the rise of digital media has only made the field more heterogeneous. Some museums do not use these new technologies and seem to think that objects can speak for themselves. My visit to the Gemäldegalerie Alte Meister was void of digitalism, which I experienced as a small relief after a week of talking technology. I could look at the paintings that were discussed by professor Rainer Groh, who had thoroughly deconstructed some of them with his virtual camera, and could play back his lecture as I was gazing at the works of Bellotto. I did not need an iPad telling me what to look at, and could simply enjoy the museal peace that had entered my mind.

I did not understand why most of the visitors just walked passed in a hurried fashion, on the prowl for a Rembrandt or Vermeer, when I realized that Groh’s lecture had opened a small window in my head that connected my gaze with the outer cityscape, mediated by Bellotto’s artistic intervention. I wished everybody had had that same lecture – though perhaps condensed to 5 minutes instead of two hours. I could imagine a video screen explaining how you could look at this picture differently. Not in order to replace the original, but just to make it even more beautiful. As the physicist Richard Feyman once remarked when a friend asked him if he could still enjoy a simple flower: “There are all kinds of interesting questions that come from a knowledge of science, which only adds to the excitement and mystery and awe of a flower. It only adds. I don’t understand how it subtracts.”

I did not miss digital media at the Alte Meister though, since there were many different media readily available. I noticed myself listening in on a museum guide, telling her crowd about a prostitute that Rembrandt had painted in his ugliest work I’ve seen so far. Nobody would even care for this painting if it weren’t for the anecdote the guide was telling. In another room, an elderly man was sitting on a chair, fighting with his audio guide. He didn’t seem to understand the stupid machine, and he probably would not have used a touch screen even if it were there.

We shouldn’t forget that an exhibition is a network of media that tries to disseminate knowledge, beauty or understanding to a larger audience. Digital media are not there to revolutionize this practice or to place something between the artifacts and the visitors. Rather, they are just another development in a long evolutionary line of museological technologies. Once they are truly integrated into the curatorial praxis, we will likely not even notice their presence, but rather intuitively understand their role and function as part of the tradition.

Until this is the case, however, there will have to be experiments that are to be critically assessed afterwards, which Sonja Ostendorf-Rupp  did very well. In my opinion, the curators at the Lipsiusbau tried to eat the cake and have it. They developed exiting programs and visualizations that offered the public new ways of understanding Grohmann’s network and influence. At the same time, these media were not trusted to lead the story. The museum narrative was divided into 10 rooms, and every room – beside the last two spaces – had a text that was both onscreen and on the wall. Why was it duplicated? It was not easier to read the text on the wall, since the letters were quite small and grey-on-white. And why did the last two rooms not have screens? Was there no more money? It seemed a bit halfhearted. And why was the screen that visualized Grohmann’s network placed outside the exhibition, outside the ‘sacred space’ and next to the café? When I was there, the only person using it was a little girl jumping in front if it in order to touch the screen. She was fascinated with what probably appeared as a mega-ginormous-iPhone.

Photograph of the touch screen at the exhibition, showing a newspaper article written by Grohmann.

All in all, the exhibition showed the potential of digital media. They did not function as audio guides, which tend to give you very little room to interact and select the information that you would like. At some screens you could access old newspaper articles that Grohmann had published during WWII. It was very nice to be able to go in depth, though you don’t really want to take up the time to read an entire article while other people are waiting to use the same screen. At the same time, you were not forced to make use of them, which is nice especially for digital non-natives. This also proves that the screens were not yet trusted to take over the role of sticky letters. As an exhibition, it was therefore very adequate, but as an experiment it did not go far enough.